sábado, mayo 19, 2018

Zaida González: la voz de la hermana



Revista Paula

Por: Pilar Navarrete / Fotografía: Carolina Vargas

Zaida González (40), la hermana menor de Jorge González, el líder de Los Prisioneros, lleva puesto un vestido que deja sus brazos al descubierto.

En el antebrazo izquierdo tiene tatuado un gato con un cuchillo en una de sus patas, al que le caen lágrimas por los ojos. Se lo hizo en octubre de 2015, 8 meses después del accidente cerebrovascular que afectó a su hermano Jorge y poco después de que su mamá también sufriera uno, quedando con problemas de movilidad y lenguaje.

¿Por qué te lo hiciste?

Tenía tanta pena que sentía necesario tatuarme. Desde que pasó el accidente de Jorge fue todo muy caótico, se desataron muchos malos entendidos. Para la familia fue traumático.

Las manzanas mordidas

En el marco de una gira por Chile, el 7 de febrero de 2015, Jorge González se presentó con su banda en el Festival de Nacimiento. Desde un inicio el show fue accidentado: el cantante interrumpió la rutina que estaban realizando Los Atletas de la Risa para reclamar por el retraso de su presentación. El show fue breve, porque apenas podía cantar y caminar. Esa noche fue internado en la Clínica Universitaria de Hualpén. Había sufrido un accidente cerebrovascular que lo dejó con secuelas físicas.

¿Cómo te enteraste de lo que había pasado?

Me llamó un amigo y me dijo que en la radio salió que Jorge había tenido un accidente y estaba hospitalizado. Al rato me llamó mi hermano Marco y me dijo que le estaban haciendo unos exámenes, pero que no me preocupara. Fui a verlo a la clínica, esa tarde yo viajaba a México por dos semanas, y él estaba bien. Jamás me imaginé que se iban a desencadenar los problemas que tiene ahora.

¿No se podía sospechar en ese momento?

No lo vi como algo que iba a ser grave. Además, a Jorge nunca le había pasado nada. Pero después empecé a hilar cosas y me fui acordando que desde octubre del año anterior (2014) se veía mal.

¿De qué te acordaste?

Como Jorge vivía en Alemania, venía dos veces al año. Y ese octubre (de 2014, cuatro meses antes del accidente), varias veces quedamos de vernos y me cancelaba; me decía que se sentía muy mal. Un día que nos encontramos en la casa de mi mamá, lo vi caminar por el pasaje -es un pasaje largo- y arrastraba las piernas: se veía muy cansado. Ya entonces estaba raro.

¿En tu familia lo comentaron?

Mi mamá me dijo en esa época que Jorge estaba mal. Ella decía que él se comía una fruta y la dejaba ahí y después tomaba otra, la mordía y la dejaba ahí. Pero como ella es exagerada, no la pesqué. Hasta que un día entré a la cocina, vi la frutera y había distintas manzanas mordidas.

¿Cómo lo encontraste cuando regresaste de tu viaje a México?

Con problemas para caminar y para hablar. Me asusté. Ahí empezó todo el drama en torno a él.

¿Qué pasó en tu familia tras el accidente?

Bueno, lo primero fue organizarnos. Jorge vivía con su pareja Daniela (Valenzuela) en un departamento chico que tenía una escalera larga que era un problema. Conseguimos un departamento en un primer piso muy cerca de la clínica, en Bellavista, donde Jorge se fue a vivir con su hijo mayor y mi hermano Marco. Daniela iba todos los días. Pero el que no se despegó fue el mánager (Alfonso Carbone). Él ejercía mucha presión para que entre nosotros hubiese conflictos.

¿Cómo?

No nos hablaba muy bien de Daniela. Ella era iluminadora de (los show de) Jorge y viajaba con ellos en las giras. Decía que no lo iba a cuidar. Él se burlaba de que Daniela pensara que con misticismos se iba a sanar, porque ella decía que con Jorge le pedían a la Virgen que saliera adelante.

¿Al mánager lo conocías de antes?

Sí. Es un tipo que va de agradable con todo el mundo. Mucha talla, de andar de buena onda, de sobar el lomo. No queda mal con nadie.

Dices que él buscaba generar roces en tu familia.

Sí. Y le empezó a resultar, a generar un estrés terrible entre nosotros (…). Por ejemplo, se le metió en la cabeza que el nuevo disco de Jorge, Trenes, tuviera unos clips hechos por Pedro Ruminot. Ahí se gatilló todo. Un día estábamos almorzando con Jorge, Daniela y Carbone y llega Pedro Ruminot con un socio para hacerle unas toma a Jorge. Mi otro hermano (Marco) se enteró y se molestó mucho. Porque Marco siempre ha hecho las visuales de Jorge, entonces era raro. Y más encima iban a grabar a Jorge estando enfermo. Le dije a Carbone: “Pero, ¿por qué le van a hacer un video? ¿Por qué lo vas a grabar?”. Me dijo que él nunca iba a exponer a Jorge, que iba a ser un contraluz, que se iba a ver solo su sombra. Jorge estaba bastante mal. Él siempre ha sido bastante pretencioso en el sentido de salir con una buena ropa y si él no tiene una buena cara te va a decir no, no me grabes y punto. Pero Jorge no estaba en condiciones.

¿Cómo estaba cuando se grabó el video?

Estaba ido. Las decisiones no las estaba tomando como las habría tomado él.

Dio la impresión después del accidente de que mediáticamente se trató de hacer ver que Jorge iba a salir adelante rápidamente…

Claro, pero los doctores nos habían dicho que Jorge estaba mal, que no iba a salir. De hecho, que iba a morir pronto. Fue después que le vino una crisis en junio de 2015 y se hospitalizó.

En ese momento, ¿cuál fue la indicación?

Estar tranquilo, con sus terapias de reforzamiento.

¿Le habían indicado que no hiciera más presentaciones?

No lo sé. Pero la indicación era estar tranquilo.

El 27 de noviembre de 2015 se hizo un gran concierto en el Movistar Arena, en el que Jorge González cantó con numerosos músicos: entre ellos, Miguel Tapia, Beto Cuevas, Álvaro Henríquez, Roberto Márquez, Juanita Parra, Javiera Mena, Manuel García, Gepe, y Pedropiedra. El concierto se tituló Nada es Para Siempre y las entradas fluctuaron entre los $ 5.500 y los $ 16.500. La prensa dijo, después del show, que asistieron 16 mil personas.

“Me enteré por la prensa. Me sorprendió que iba a tocar Jorge. Entonces le pregunté a Carbone por qué iban a hacer eso. Me dice que estaba pactado, no lo podían rechazar. Y que Jorge quería. Pero a nosotros no nos invitaron”.

¿No fue invitada la familia?

No. Tuve que ir el día del concierto temprano a meterme allá y a exigirle unas credenciales que no me quiso pasar. Mi sobrino me pasó la de él y dos entradas de cortesía.

Y Jorge, ¿dónde estaba?

Jorge llegó, se presentó y se fue. Pero fue todo muy raro. Porque cuando Jorge tuvo el accidente sus roadies se acercaron a Marco y a mí y nos dijeron que ellos estaban dispuestos a organizar gratuitamente lo que fuera si es que Jorge necesitaba fondos y que ellos sabían que todos los artistas estaban dispuestos a tocar gratis. Nosotros se lo agradecimos mucho y le dijimos a Alfonso (Carbone). Pero él dijo: “¿Creen que Jorge es como Peter Rock y lo vamos a exponer a algo así? ¿Que porque está enfermo necesita un beneficio? No”.

Es decir, ¿él cerró la puerta a aceptar esa ayuda?

Sí. Cerró la puerta inmediatamente, pero después salió con esto (el concierto en el Movistar) que él ya tenía organizado. Y Jorge no recibió ni un peso de ese concierto.

¿Nada? Si era un homenaje para él.

Esa plata Jorge no la recibió.


El mandato

Poco antes del recital en el Movistar Arena, Ida Ríos, la madre de Zaida y Jorge, tuvo accidente cerebrovascular. Fue en octubre de 2015. “Le vino un colapso y terminó en la clínica. Con Marco nos tuvimos que hacer cargo de ella. Todo entremedio de este caos con Jorge”, dice.

¿Y tu papá?

Ahí estaba, tratando de apoyar a los dos. Él tenía a su pareja enferma. De hecho, se murió ese mismo año. Le vino un cáncer fulminante. Fue muy duro, porque con todo lo que estaba pasando con Jorge y mi mamá, él no pudo estar en el último tiempo con ella.

Tras el concierto en el Movistar Arena, Zaida cuenta que Jorge quedó hiperventilado y sus ataques de ansiedad se volvieron frecuentes. Por entonces, el músico vivía en una casa en La Reina. De sus cuidados se encargaban una enfermera y una cuidadora. Ahí también vivían su hijo mayor y el menor, que tuvo con Loreto Otero, (con quien estuvo emparejado entre 2000 y 2011 y vive en España). A fines de 2015, Zaida dice que Loreto vino a Chile y se quedó un mes en la casa en La Reina.

¿Ellos tenían una relación cercana?

No. Cuando él se enfermó, ella le empezó a decir que sabía que estaba enfermo, pero que necesitaba plata. Y cuando él estaba bien mal, ella le dijo que lo iba a cuidar, que le iba a hacer acupuntura, sesiones espirituales. Le dijo que el tratamiento en Europa era gratis, que mejor se fueran para allá, que iban a estar todos juntos con los hijos de ella.

¿Cómo reaccionó el entorno cuando se enteraron que Jorge se iba a España?

Hablamos con él. Alfonso decía: “¿Cómo se lo va a llevar?”. Pero Jorge dijo: “Me voy”. Daniela (Valenzuela) me pidió que hiciéramos algo para que no se fuera. Le respondí que no podía hacer nada si Jorge se quería ir, no me podía meter. Con Loreto no tengo relación. De hecho, mientras Loreto estuvo, no fui más a ver a Jorge porque con ella me peleé en términos súper duros, porque nunca le creí el cuento.

¿Qué decía el mánager?

Que estaba viendo todo con su abogado para que no se llevara a Jorge.

Si no lo ibas a ver a La Reina, ¿cuándo veías a Jorge?

Marco lo iba a buscar y lo veía los domingo en la casa de mis papás.

¿Cuándo hizo crisis todo esto?

Un día, a mediados de febrero que recibí una llamada de Daniela Valenzuela avisándome que una de las cuidadoras de Jorge había llegado con él hasta su casa en taxi. Jorge se había peleado con Loreto.

¿Qué hicieron con Jorge en ese momento?

Marco lo fue a buscar y se lo llevó a donde mi mamá. Dos días después estábamos en La Reina y llegó Alfonso diciendo: “Es que pasó algo terrible…”. Habló con Jorge y empezó a agarrarse la cabeza. Le pregunté qué pasaba. Y me dijo: “Es que fui a la SCD y me dijeron que Jorge había pedido un adelanto de dos años de sus ingresos (80 millones por derechos de autor). No lo puedo creer, Jorge dice que ella los retiró porque tenía un poder y porque iban a viajar juntos”.

Es decir, Jorge la autorizó.

Sí. Porque iban a viajar y la plata era para vivir afuera. Pero en eso Jorge se da cuenta de que no tenía nada que ir a hacer a España con ella. Nos enteramos de esto un jueves. Y el viernes fuimos con Jorge a una notaría en la calle Huérfanos a (tratar de) revocar el poder amplio que le dio a Loreto. Además, tratamos de parar los pasajes y lo logramos. Y en eso ella (Loreto) empieza a hacer traspasos de plata (…). Alfonso andaba con nosotros. Estaba muy nervioso. Le pregunté qué pasaba. Dijo que su esposa le había dicho que Loreto le transfirió una plata. Fuimos al banco, pedimos una lista de los traspasos: eran de Loreto Otero a una cuenta de ella y a otro rut, traspasos de a 5 millones, que era lo máximo que podía transferir al día, en el periodo de unos pocos días. Entremedio, ella se compró otro pasaje primero a Perú y de ahí se fue a España. Se escapó. Como en la cartola del banco no decía el nombre del titular de la otra cuenta a la que le había transferido plata, googleé el rut y así supimos que era la de (Alfonso) Carbone.

¿Qué explicación les dio él?

Dijo que él había pasado muchos cheques cuando Jorge estuvo hospitalizado y que esa era la plata que él había puesto. Pero eso no es llegar y decirlo. Tienes que venir con papeles y decir “estos fueron mis gastos”. No tenían que hacerse de esa forma.

¿Jorge sabe todo esto?

Sí. Le conté y bueno… Él asume que lo que Carbone se cobró fue la clínica y ella lo fregó nomás. Es que ¿qué más puede hacer? Si él le dio un mandato. En términos éticos sí se podría decir algo, pero en términos legales no. No la puede demandar. Ella tiene un mandato y fue con Jorge a pedir ese adelanto. Pero lo que ella hizo después fue una cosa inmoral al darse cuenta de que él no iba a irse. Lo que ella debería haber hecho es haberle devuelto esa plata a Jorge. Pero él asumió que no iba a ser así.

Volver a San Miguel

Por estos acontecimientos, Jorge dejó la casa en La Reina y la familia le buscó un departamento en San Miguel, la comuna donde creció y se gestaron Los Prisioneros en los años 80. “Como Loreto lo dejó sin ni uno, había que entregar la casa (de La Reina). Buscamos un departamento cerca de donde vive la mamá con su hermano y también de la casa del papá”, dice Zaida.

Comenzaron a turnarse Zaida, Marco y el padre para cuidar de Jorge. Ella y Marco, además, se hacían cargo de la madre. El desgaste, le empezó a pasar la cuenta a ella. “Me angustiaba y me ponía muy nerviosa. Hasta que un día mi papá me dijo: ‘¿Sabes qué, mejor yo me hago cargo’”. Desde entonces, su padre de 80 años es quien lo acompaña día a día. Su hermano Marco lo lleva en auto a sus terapias. Zaida lo va a ver los fines de semana. A veces también de lunes a viernes. Es ella quien pide las horas al doctor. Van juntos los tres hermanos. Luego ella pone al tanto a su papá de las novedades.

Y ahora, ¿cómo está tu hermano?

(Suspira). Después de un bajón muy fuerte, se normalizó. Hoy está tranquilo. Al principio le venían unas crisis. Esas crisis ya no están. Estaba yendo a unas terapias alternativas pero después no quiso seguir. Le gusta donde está, tiene un gato. Está solo y su vida es tranquila.

¿Cómo afectó tu vida personal lo que pasó en tu familia?

Fue duro. Justo en 2015 me salieron hartos trabajos y proyectos: coordinar unos talleres de fotografía, me gané dos Fondart ese año. Pero finalmente no me dio. Los Fondart los terminé el año pasado, casi tres años después. Y en las pegas no di abasto, porque de repente pasaban cosas y estaba en clases y las tenía que suspender.

Zaida se detiene, pensativa. “No sabía qué hacer en realidad. Cómo enfrentar esa situación. Porque, ¿era responsabilidad mía? ¿Tenía que estar tanto ahí (con mi familia)? ¿Qué es lo que había que hacer como hermanos? No sabía cómo reaccionar. Todavía estoy bastante bloqueada y no sé cómo decidir qué es lo que me corresponde y lo que no”.

¿Cuándo te haces esas preguntas?

Cuando estoy muy cansada e igual tengo que ir a donde mi mamá. Me pregunto: “¿Es una obligación o lo hago porque quiero?”. Mi conflicto es no saber cuándo es porque quiero o porque es un deber.

¿Tuviste que postergar tu propia vida por todo esto?

Sí. Tuve que elegir. Se necesitaba ayuda, no pude obviarlo. Pero mi rollo fue más con cuidar a mi vieja que a Jorge. Cuando ella salió de la clínica necesitaba mucha ayuda. Entremedio se cayó, se fracturó la cadera, estuvo un mes hospitalizada en la Posta Central. Y cuando volvimos (con ella a la casa) era una anciana. Ahora anda con su bastón y camina. Pero mentalmente se le cruzan las cosas.

¿Ella es consciente del estado en el que está Jorge?

Mi mamá siempre dice cuándo se va a mejorar. Como que no asume que la situación cambió para siempre.

¿Y Jorge sobre ella?

No dice nada de su enfermedad. Solo dice que está viejita.

El año pasado Zaida terminó el primero de los Fondart que se adjudicó en 2015: la exposición fotográfica Ni lágrimas ni culpa. Inicialmente se había propuesto en ese trabajo revisar las relaciones de pareja. “Pero cuando sucedió todo esto cambié de idea y decidí hacer un libro biográfico con lo que sucedió en 2015. Porque se sumaron muchas cosas: lo de mi mamá, lo de mi hermano, también se murió mi mejor amigo. Todo eso me hizo enfocar el trabajo en lo que me estaba pasando”.

¿Fue una forma de sellar lo que ibas sintiendo en el camino?

Sí. Al ir más seguido a San Miguel, me di cuenta de cosas en la que antes no me había fijado: que casi todas las casas de alrededor estaban en venta y empezaron a aparecer muchos edificios. Empecé a registrar cómo estaba cambiando el paisaje de San Miguel y a mirar con la nostalgia de la pérdida de mi madre y de mi hermano; pérdida en el sentido de que al enfermar no vuelven a ser como eran antes. Empecé a recordar cuando mis hermanos jugaban a la pelota o cuando mi mamá se juntaba con las vecinas. Y me fui dando cuenta de que todo eso estaba muriendo.

¿Te hizo repensar algunas decisiones personales?

Sí. La maternidad la postergué hasta el final. Dije: “Ya, a los 40 lo decidiré”. Pero después de lo que he pasado con mi mamá, dije: “No quiero ser mamá, no quiero cuidar a nadie”. Se me deterioró demasiado el cuerpo y la cabeza. Ya no tengo energías.

¿Hay alguna reflexión que te ronde desde que todo esto pasó?

Ahora que veo que mi hermano y mi mamá están enfermos me doy cuenta de que mucha gente se alejó. Los sobrinos que siempre iban a donde mi mamá, nunca más fueron. Sus nietos tampoco. Con Jorge también. No sé si porque ya no son útiles o es incómodo estar con ellos. Muchas personas desaparecen cuando alguien está mal. Es algo súper cruel. Asumir eso es muy difícil


Sol y Lluvia celebrará sus 40 años en la Pista Atlética del Nacional

La Tercera

El grupo repasará su historia el 24 de noviembre y podría sumar al histórico Charles Labra.

Por Francisca Pérez

Era 1999 y en un concierto frente a más de 60 mil personas, para festejar 21 años de carrera, Sol y Lluvia se convertía en el primer grupo chileno en llenar el Estadio Nacional. Este 24 de noviembre volverán al recinto, esta vez a la Pista Atlética, para celebrar su aniversario 40 con un repaso por lo más destacado de su trayectoria. “Estamos haciendo una selección de temas que puedan resumir cada período, porque hemos pasado por distintos estilos. Queremos que se logre una visión completa de estos 40 años, por lo que el concierto va estar acompañado de imágenes. Creo que imagen, sonido y palabra completan la trilogía comunicacional virtuosamente”, dice Amaro Labra, vocalista y fundador de la agrupación.

La celebración, además, podría tener una sorpresa: tras su bullada salida en 2000 por considerar que el grupo -que fundó junto a su hermano- había perdido su espíritu para tomar un rumbo más comercial, Charles Labra está en los planes para sumarse al show junto a otros ex miembros. “La reunión siempre ha sido una posibilidad. Con los años hemos ido avanzando, no necesariamente para que estemos juntos en un escenario, pero los esfuerzos están. Estamos conversando así que ojalá se de, pero en todo caso no es el objetivo”, comenta la voz de “En un largo tour” y agrega que un cambio de recinto al Estado Nacional tampoco está descartado: “Si el concierto prende lo traspasamos al coliseo central. Por eso lo estamos comunicando con tiempo, para que ojalá nuestro pueblo responda bien”.

Hace un par de meses el artista asumió como diputado por el PC y ha debido compatibilizar los ensayos con el Congreso. “He dejado mis labores administrativas y de producción en Sol y Lluvia para dedicarme a cantar y prepararme para el concierto. Ensayamos los lunes y luego de eso me voy a Valparaíso hasta el jueves o viernes y los fines de semana a veces tenemos conciertos. Ha sido súper ordenado”, asegura.

Las entradas para el show ya se encuentran en Puntoticket a un precio especial de preventa de $5500 (hasta agotar stock) y sin recargo en La casa del sol (Antonia López de Bello 80).

Camilo “Chino” Moreno: “Soy fan de los discos desde niño y para mí las disquerías eran como sex shops”

La Tercera

Antes de sus tres shows en el Teatro Coliseo a fines de este mes, el líder del quinteto californiano habla con Culto del presente del grupo, del disco en el que trabajan y de las razones que les han permitido sobrevivir a cambios en la industria y tragedias personales. “Es difícil mantener la amistad tanto tiempo, pero es lo que nos ha hecho fuertes”, dice.

Por Andrés del Real

Tal como lo reflejan todas sus fotos promocionales, los cinco integrantes de Deftones parecen ir siempre marchando con decisión hacia nuevos horizontes. No es, por cierto, una novedad, y quienes asistieron a su explosivo debut de 2001 en el Estadio Víctor Jara no sólo recordarán uno de los mejores conciertos que se vieron por acá en los días de apogeo del llamado “nü metal”, sino también un llamado de atención, un par de detalles para dejar en claro que lo suyo iba más allá de los fraseos de métrica hiphopera y los riffs para la galería que dictaminaba el género. Algunas piezas de White pony, por ejemplo, como “Digital bath” y “Teenager”, una de las pocas “baladas” de la era aggro-metal. O la prodigiosa voz de Chino Moreno cerrando la velada con una memorable versión para Say it ain’t so de Weezer.

“Creo que la gente aprecia eso también, estos cambios graduales que nos han permitido estar siempre avanzando”, comenta Moreno (44), el último emblema aún vigente de esa camada en la que hace dos décadas se depositaron las esperanzas de la renovación en el rock -con Korn y Limp Bizkit a la cabeza-, y de la que Deftones se distanció rápidamente. Al menos sus fans parecen agradecerlo, entre ellos los chilenos, que agotaron las entradas para la sexta visita a la capital de los de Sacramento, con tres shows en el Teatro Coliseo (el 28, 29 y 30 de este mes) al los que los californianos llegan con un noveno álbum en construcción y cumpliendo 30 años de carrera.

Una historia que podría resumirse como el triunfo de la amistad, según explica el vocalista desde el otro lado del teléfono, consultado por la fórmula que les ha permitido sortear juntos los vaivenes de la industria, conflictos internos – la “época oscura”, como la llaman- y la muerte de su bajista Chi Cheng, en 2013. “Nuestra amistad fue lo que inició todo y hemos pasado por muchas cosas juntos. Nos conocimos cuando éramos prácticamente unos niños y nos hicimos adultos juntos, y ahora que somos tipos de mediana edad ya nos conocemos muy bien y nos aceptamos como somos. Si no nos lleváramos bien nos habríamos dado cuenta hace mucho tiempo”, asegura, soltando una risotada.

– ¿Ese elemento es el que los diferencia de otros grupos que surgieron al mismo tiempo que ustedes?

– Es sin duda el que más orgullo nos da y el que de alguna forma nos convierte en algo especial como banda, si se puede decir de esa forma, pensando en muchos otros grupos que partieron al mismo tiempo o antes que nosotros. Es difícil mantener una amistad tanto tiempo, pero también creo que es lo que nos ha hecho fuertes.

– ¿Todavía persiste esa química cuando entran al estudio a grabar un nuevo disco?

– Oh, sí, por supuesto. Nos divertimos mucho simplemente creando canciones nuevas. Nuestro último disco (Gore, 2016) lo hicimos entre todos aunque no realmente juntos, pasamos mucho tiempo sólo yendo al estudio con algunas ideas que cada uno ya había compuesto y las probamos en el lugar. Y aunque eso funciona, realmente echaba de menos lo que sucede cuando estamos todos juntos creando desde cero en la misma pieza, sin ninguna idea preconcebida, simplemente haciendo ruido y creando canciones. De alguna forma ahora volvimos a eso.

– Será un álbum más colaborativo, en ese sentido.

– Claro. Un de nosotros empieza a meter ruido y el siguiente lo sigue y así seguimos, creando canciones que salen del momento, que es la verdadera esencia del trabajo colaborativo. Por lo mismo las canciones suenan muy diferentes, muy originales, porque éste no será una continuación de Gore. Creo que algunas de las mejores canciones de Deftones han surgido así, como parte de un esfuerzo colaborativo, de forma orgánica, lo que lo hace más divertido.

– ¿Es una apuesta seguir pensando en discos ahora que la música se consume más que nada a través de canciones sueltas y listas?

– Soy fan de los discos desde niño, crecí escuchando música así. Las disquerías eran como sex shops para mí en esos días y me sigue gustando la idea de agrupar canciones que fueron creadas en un momento determinado, como un documento que refleja una fracción de tiempo en nuestra carrera, en nuestro proceso creativo. Cuando terminamos un disco, ya sea el mejor u otro que quizás no le va tan bien, sigue siendo la mejor sensación, el logro mayor en la música para mi gusto. Quizás soy muy de la vieja escuela pero nada que hacer, seguiremos haciéndolo de esa forma.

– ¿Han pensado en una celebración más formal de sus 30 años o lo de los aniversarios no va con ustedes?

– No es algo en lo que estemos totalmente en contra. Sí creo que tiene que ser para algo especial. Hace poco, para el aniversario 20 de Around the fur, tocamos todo el disco en orden, algo que no hicimos con Adrenaline ni con White pony. Cuando algo nos hace sentido lo hacemos, porque nos enorgullece llevar todo este tiempo juntos y haber mantenido la amistad, con momentos buenos y otros malos, y la capacidad de seguir siendo creativos.

– ¿Dónde cabe Chile en estas tres décadas de historia de Deftones? ¿Sienten un vínculo especial con el público chileno?

Por supuesto, siempre lo menciono cuando me preguntan por mis lugares favoritos para ir a tocar, porque es un público muy agradecido y apasionado, que canta todas las canciones desde el principio. Y cada vez que volvemos se vuelve aún mejor, que es algo que apreciamos mucho. Ahora estamos muy entusiasmados no sólo porque hace tiempo que no vamos, sino que sobre todo porque tenemos tres conciertos, para el que preparamos dos set distintos y con canciones que no tocamos hace un buen tiempo.

Alexander Mickelthwate, director de orquesta: “En los próximos 100 años la música clásica será sólo música”

La Tercera

El actual director de la Orquesta Sinfónica de Winnipeg estará por dos semanas en nuestro país. Dirigirá los conciertos N°4 y N°5 de la temporada oficial de la Orquesta Sinfónica de Chile.

Por Paula Valles

Es su segunda vez en Chile para dirigir a la Orquesta Sinfónica, luego de su visita de 2014. Esta vez el director alemán Alexander Mickelthwate (1970) es el encargado de conducir el concierto N°4 de la temporada, dedicado a la Sinfonía N°41 en Do Mayor “Jupiter” de Mozart, y la suite Los Planetas del compositor británico Gustav Holst. La primera presentación fue este viernes 18 y la segunda será hoy a las 19.40 en el Teatro de la Universidad de Chile.

Alexander Mickelthwate también dirigirá el concierto N°5, el viernes 25 y sábado 26, con un programa consagrado a Beethoven: la Cantata sobre la muerte del emperador José II y el célebre Concierto Nº 5 en Mi bemol mayor para piano y orquesta, op. 73, “Emperador”.
Aquí, habla de su experiencia como director, la relevancia de estas composiciones y del estado actual de la música clásica.

En los inicios de su carrera dirigió distintas orquestas en América del Norte, y luego en Europa. ¿Qué diferencia ve entre dirigir orquestas norteamericanas y europeas?

En Alemania, las orquestas en el primer ensayo no están tan bien preparadas, no suenan bien. Necesitan tiempo para ensayar. Allá todos creen que saben cómo se hace porque tienen la tradición, así que es difícil para el director. Y Norteamérica me gusta mucho. No hay mucha historia, pero están muy bien preparados y te siguen muy bien.

¿Qué relevancia tiene la Sinfonía N°41 de Mozart?

Creo que es la sinfonía más importante de todas, la pieza más hermosa. Es una joya. Es increíble, muy alegre, y esa alegría en la música te hace sonreír todo el tiempo. Creo que está en el top tres de composiciones.

¿Tiene alguna dificultad en particular?

Treinta años atrás todos tocaban a Mozart de manera muy romántica, pero luego Norrington y distintos compositores de pronto comenzaron una nueva forma de pensar la música barroca, así que ahora la gente toca a Mozart muy distinto que hace 30 años atrás. Luego se descubrió un tempo más rápido, así que eso es lo que he estado haciendo esta vez, una forma más auténtica creo de tocar a Mozart. Así que es difícil leerlo y encontrar un nuevo estilo de tocar eso.

¿Cómo las composiciones de Mozart y Holst conviven en un mismo concierto?

Los Planetas obviamente es sobre las estrellas, los planetas y la mitología sobre los planetas. Es muy descriptiva. Y la sinfonía Júpiter de Mozart no es realmente sobre los planetas, es más sobre masones. Es también sobre la mitología, pero sobre los masones, la Logia, las ceremonias detrás de los rituales de los masones.

¿En qué han contribuido estos dos compositores a la música clásica, y cómo ve sus composiciones?

Mozart no era como Beethoven. Mozart era realmente del cielo, es completo, creo. Hermoso, pero completo. Beethoven era diferente. Brahms, por ejemplo, quería ser como Beethoven, no como Mozart. La primera sinfonía de Brahms fue llamaba como la Sinfonía 10 de Beethoven. Mozart es completo. Y Holst, con Los Planetas es absolutamente completa, Holst es uno de los únicos que escribió sobre cosas, además.

¿Qué destaca del Concierto para Piano N°5 de Beethoven?

En ese tiempo el concierto de piano de Mozart era pequeño, escondido. Y el Concierto de piano de Beethoven era muy grande, difícil para los pianistas. Creo que en eso destaca. Hoy no es tan difícil de tocar, pero en ese entonces sí. Y es uno de los más famosos conciertos para piano.

¿Cómo estos autores mantienen vigencia actualmente?

Creo que la música está siempre viva. Beethoven está muerto, pero el concierto está siempre vivo, cada vez que lo tocas vuelve a la vida. Así que creo que es muy importante en nuestros tiempos, nunca se vuelve viejo. Lo segundo y que es muy importante para mí, es que es muy bonito lo que hace la música cuando haces música en conjunto. Puedes tener 70 músicos, pero cuando haces música juntos esas 70 personas se convierten en una. Eso es asombroso, especialmente en nuestros tiempos. Y luego, en la presentación los músicos se convierten en uno con la audiencia. Para mí es el cielo. Aquí en la tierra todos pelean, son individualistas, y de pronto acá por 40 minutos somos uno. Y es genial, es un milagro.

¿Cómo ve el estado actual de la música clásica?

Es muy interesante, porque ahora los compositores no es como que digan ‘tú compones jazz o rock’ es más sobre componer música. Se está poniendo más interesante actualmente. La gente sólo escribe música hermosa que va al corazón. Así que creo que en los próximos 100 años, la música clásica será sólo música, no música clásica.

Kool & The Gang vuelve a Chile en septiembre

El Mercurio
La banda de disco y funk estadounidense se presentará el 29 de ese mes en el Gran Arena Monticello.

La fiesta disco y funk de Kool & The Gang ya anotó una nueva versión en Chile para este 2018. La institución de la música bailable estadounidense vuelve esta vez el 29 de septiembre con un show en el Gran Arena Monticello que se anuncia como un espectáculo enfocado en sus éxitos.

Los dueños de "Celebration" y "Jungle boogie", próximos a cumplir cinco décadas de carrera, serán los responsables de animar la próxima Fiesta de Radioactiva, que, además, tras la presentación de Kool & The Gang, tendrá una segunda fiesta en la discoteca del recinto, el Suka Club, a cargo de los DJs de la emisora; entre ellos, DJ Black.

La banda, visita frecuente, sobre todo en la última década, ha mantenido la sintonía musical conectando con nuevas generaciones en el país, ya sea bajo el rótulo de eventos consagrados a su época de gloria en los setenta y ochenta, o como número de apertura de quienes en décadas posteriores tomaron la posta de la celebración funk, como cuando en 2013 tocaron junto a Jamiroquai en el Movistar Arena.

Las entradas para la presentación de la banda y la fiesta posterior se venden a través de Ticketpro.

La clase del violinista emblema de I Musici

El Mercurio

La UC invitó a Federico Agostini a enseñar por diez días. Además, el jueves dará un concierto.

Por Romina de la Sotta Donoso

Entre 1986 y 1992, Federico Agostini (1959) fue concertino de I Musici, el conjunto que vendió 25 millones de copias de sus ocho versiones de "Las Cuatro Estaciones" de Vivaldi.

"Fue una experiencia formativa extraordinaria, porque este ensamble trabaja igual que un cuarteto de cuerdas; siempre con una intención musical y un sentido del sonido. No se trataba de tocar toda la vida 'Las Cuatro Estaciones', buscando el solo éxito comercial. Gracias al cielo, fuimos también capaces de sacar adelante obras de Bartók, Martin, Mozart... Tantas cosas", explica. De hecho, en sus cien CD y LP, I Musici recorre desde el siglo XVIII al XX.

También Agostini es versátil y ha trabajado en los más variados repertorios. "Pero no podría imaginarme siendo solo un intérprete, sin traspasar toda mi experiencia. Enseñar es bellísimo, porque das y recibes; tu técnica evoluciona y tu sonido madura. Sin estos 37 años que llevo enseñando por el mundo, no hubiera conseguido hacer lo que he logrado como concertista".

Experiencias que desde el lunes está compartiendo en las clases magistrales de violín y música de cámara que está dando en el Instituto de Música UC, curso que rematará el jueves 24 con el concierto que dará con colegas en la Casa Central UC (19:30 horas, gratis), y con obras de cámara de Shostakovich, Brahms y Dvorák.

"Vine porque me invitó mi queridísimo ex alumno Rodolfo Mellado (profesor de violín en la UC) y es mi primera vez en Chile, pero dudo que sea la última", ríe Agostini. "Uno de mis ídolos es Sergio Larraín, soy un apasionado por la fotografía".

También destaca que "el nivel de los alumnos es muy bueno, y es evidente que los profesores también lo son", y revela que han trabajado en la idea de que la técnica no debe estar adelante de la música, sino al servicio de ella. También les ha transmitido el rol clave que tiene la expresividad en la interpretación musical.

-¿Hay algo que suele olvidarse en la música de cámara?

"¡Sí! Frecuentemente se olvida el sentido de ser parte de un grupo. Si un violinista, por ejemplo, se comporta como una prima donna , tratando de llamar la atención, las cosas no pueden salir bien. Mi mentor, Joseph Silverstein, decía que a la música de cámara hay que llevar las orejas y dejar el ego en la casa. Hay que ser flexible y saber sacrificar tus propias ideas, por más que creas en ellas, por las ideas de otra persona".

viernes, mayo 18, 2018

Ariana Grande a un año de la tragedia en Manchester: “Todavía pesa en mi corazón”

La Tercera

La cantante profundizó por primera vez sobre el atentado ocurrido el 22 de mayo de 2017 tras uno de sus conciertos.

Por Patricia Reyes

El próximo 22 de mayo se cumplirá un año del atentado ocurrido en la ciudad de Manchester (Reino Unido), donde la explosión de una bomba dejó más de 20 muertos y un centenar de heridos tras un show de la cantante estadounidense Ariana Grande.

A poco de conmemorarse este aniversario, la artista habló por primera vez en profundidad acerca de la tragedia, en entrevista con revista Time. Allí, la estrella confesó que esto no solo la afectó personalmente, sino que también impactó en su música. “Se supone que la música es la cosa segura del mundo. Creo que es por eso que todavía, todos los días, me pesa tanto en mi corazón“, reveló la artista.

“Hay tantas personas que han sufrido esta pérdida y dolor”, declaró. “La parte de procesar todo esto tomará una eternidad”.

Después del ataque, Grande suspendió su gira mundial Dangerous Woman, y se refugió en su hogar en Florida (EE.UU.), pero su representante Scooter Braun llegó con una propuesta. “Le dije: ‘Necesitamos un concierto y regresar’. Ella me miró como si estuviera loco”, comentó Braun. “Me dijo: ‘No puedo volver a cantar estas canciones nunca más. No me puedo poner estos conjuntos. No me pongas en esta posición’”, recordó el manager. Sin embargo pocos días después, la cantante le escribió: “Si no hago algo, esta gente habrá muerto en vano”.

La artista volvió a Reino Unido para ofrecer un concierto a beneficio llamado One Love Manchester, que se realizó el 4 de junio y que convocó a numerosas estrellas como Katy Perry, Pharrell Williams, Miley Cyrus, Liam Gallagher, entre otros, y cuya ayuda se destinó a las víctimas y sus familias. “Pusimos mucho sobre sus hombros, y ella se hizo cargo”, recuerda Braun. “Sabes, por el resto de su vida, ella puede decir que es exactamente quien dice ser”, agregó el representante.

En la entrevista, enmarcada en la edición especial titulada Next Generation Leaders – que destacó a varias estrellas actuales -, Grande agregó: “Ojalá hubiera más cosas que pudiera arreglar. Piensas que con el tiempo será más fácil hablar de esto. O que harás las paces, pero todos los días espero que llegue la paz, aunque sigue siendo muy doloroso”.

Actualmente, Grande prepara el lanzamiento de un nuevo disco, del que ya liberó un primer single: “No Tears Left To Cry”.


Serie sobre Luis Miguel impulsa las reproducciones de sus canciones en Spotify

El Mercurio

La producción que emite Netflix ha impactado en la popularidad del cantante mexicano en la plataforma de streaming musical, que hoy tiene a 27 de sus canciones entre las 200 más escuchadas en México. El último capítulo de la serie, que abordó los motivos que tuvo Luis Miguel para interpretar "Culpable o no", hizo que ese tema aumentara en 4.000% sus reproducciones, dejándola en el segundo puesto en la lista de los temas más populares de Spotify México y en el lugar 24 de las canciones más virales en el mundo.

Marcelo Aedo y una nueva música en familia

El Mercurio

El bajista eléctrico presenta un cuarteto de fusión junto a sus hijos Gaspar, Benjamín y Simón.

Por IÑIGO DÍAZ

El bajo Rickenbacker 4001 fue el fabuloso instrumento con que se grabaron, en 1967, los discos "Sgt. Pepper", de los Beatles, y "The Piper at the Gates of Dawn", de Pink Floyd. Su popularidad fue tal que a Chile llegó por primera vez en manos de Mario Mutis, de los Jaivas.

"El segundo en tener un Rickenbacker aquí fui yo, porque mi ídolo era Chris Squire, de Yes, que también lo usaba", rememora el bajista Marcelo Aedo (54). "Pero con el tiempo me cambié a un bajo de cinco cuerdas más versátil para tocar fusión, que en los 80 era la música que estaba cambiando las cosas", agrega.

Esa misma música de fusión marca su trayectoria, con un recorrido en el jazz eléctrico y las raíces latinoamericanas, además de pasos por bandas de época como Alsur (1986), Kameréctrica (1987) y Trifusión (1989). Aedo es uno de los principales bajistas eléctricos modernos, junto con Ernesto Holman, Jorge Campos y Pablo Lecaros. Tiene tres discos de amplias sonoridades, una observación del sur extremo, el norte desértico y el centro neurálgico del territorio.

"Este concierto será una forma de recuperar esa música, aunque desde otra mirada, mucho más ecléctica y fresca", anticipa Aedo sobre la presentación que hoy lo tendrá en el Club de Jazz (22:30, $6.000) con un nuevo cuarteto. Y no es cualquier cuarteto.

El grupo lo integran sus tres hijos músicos, el baterista Gaspar (22), el guitarrista Benjamín (20) y el pianista Simón (18). No solo han estudiado percusión clásica, guitarra clásica y composición docta en la U. Católica y la U. de Chile, sino que también forman su propio conjunto de fusión latinoamericana: Halchic.

"Ellos crecieron escuchando mi música en la casa de Las Vertientes, en el Cajón del Maipo, donde vivimos desde antes de que ellos nacieran. Son ciento por ciento cajoninos. Su mirada nos da nuevas posibilidades en el enfoque y el sonido, además de la improvisación jazzística", refiere Aedo, que en esta oportunidad no mostrará un bajo Rickenbacker clásico sino sus tres instrumentos predilectos: un fretless , un piccolo y un bajo activo de cinco cuerdas.

Música de cámara: la hora de la verdad

El Mercurio

Por Jaime Donoso A.

La música de cámara es el más exigente desafío para los intérpretes. Es enfrentar la hora de la verdad: no hay director, todos son solistas, están igualmente expuestos y el reto es lograr el óptimo desempeño individual, pero integrado en un conjunto armónico. No hay distractores: solo debe reinar la música, en su condición más pura.

El martes, en el GAM, se inauguró el Ciclo de Cámara del Instituto de Música de la UC. Oriana Silva, violín; Liza Chung, piano, y Martin Osten, chelo, brindaron un programa rotulado "Obras tardías" con composiciones de Mozart y Debussy.

El término "tardío" evoca la premonición de un final y se quisiera buscar y encontrar en las obras "tardías" una síntesis del trabajo de toda una vida, teniendo en cuenta que muchas veces los compositores buscan una conciliación con sus propuestas del pasado, suavizando posturas radicales (fue el caso de Bartók, por ejemplo, y del propio Schoenberg). Más sencillo es declarar como "tardías" las obras escritas en los últimos años de una vida creativa. En el programa figuraron la Sonata para violín y piano K.V. 526, de Mozart, escrita cuatro años antes de su prematura muerte; del mismo autor, el Trío para violín, piano y chelo, K.V. 548, compuesto dos años antes de su muerte, y la Sonata para violín y piano de Debussy, creada en 1917, un año antes de la muerte del compositor.

La interpretación tuvo un nivel muy alto y cada músico reveló sus grandes cualidades. Solo en la Sonata K. 526 los resultados no fueron tan halagüeños, pero por causas externas. Se optó por abrir completamente la tapa del piano, lo que empañó la pureza de las filigranas mozartianas. El piano de Mozart, en volumen y timbre, era muy diferente a un piano actual de conciertos, y al usar un piano moderno se debe intentar minimizar al máximo su avasalladora presencia.

La incorporación de Osten en el Trío K.V. 548 fue un gran aporte. A pesar de que la escritura, con excepción de un par de pasajes, no le permite al chelo ningún lucimiento, la virtud del intérprete fue conferir pleno sentido a cada nota del bajo haciendo gala de una estupenda musicalidad.

La Sonata de Debussy fue ejemplar. Permitió apreciar la finura del sonido de Oriana Silva y el toque diáfano y enérgico de Liza Chung. La obra, con sus caprichos y veleidades, contradice las propias palabras de Debussy: "Este es un ejemplo de lo que puede producir un hombre enfermo en tiempos de guerra".

jueves, mayo 17, 2018

VI Concurso Nacional de Verso a lo Poeta 2018


Tenemos el agrado de compartir la convocatoria al VI Concurso Nacional de Verso a lo Poeta 2018, con el tema: “Interculturalidad.  Migración y tolerancia”.  La recepción de trabajos es hasta el viernes 25 de mayo de 2018 en el correo agenpoch@payadoreschilenos.cl y la presentación de los versos será el domingo 3 de junio a las 16 horas en el Pueblo de Artesanos de Pirque.

Bases

VI Concurso Nacional de Verso a Lo Poeta 2018

El Concurso Nacional de Verso a lo Poeta busca crear un espacio de participación que fomente la creación literaria de los poetas populares de Chile, en el marco del Canto a lo Poeta, y en particular, el Canto a lo Humano.

En su sexta versión, el tema o fundamento que el poeta deberá abordar es tema de “INTERCULTURALIDAD. Migración y Tolerancia”, bajo las siguientes bases:

1. La presente convocatoria es abierta a toda persona que quiera participar, sin restricciones de edad, y no es requisito ser miembro de AGENPOCH para concursar.

2. El tema deberá ser expresado en una glosa de verso encuartetado de décimas espinelas, con clara indicación de un título propio. La cuarteta a glosar puede ser de la tradición o de creación del autor.

3. Cada participante podrá enviar hasta 3 versos encuartetados: Glosado a partir de una cuarteta, con su respectiva “despedida” o “cogollo”. Aunque envíe tres versos a concurso, el autor sólo podrá defender un verso en la final, que será escogido por puntuación.

4. Cada participante deberá enviar su verso escrito, en formato word o pdf a la dirección de e-mail agenpoch@payadoreschilenos.cl , incluyendo: nombre completo, edad y lugar de origen, fono, así como el título del verso.

5. El plazo de envío de cada participación vence impostergablemente el viernes 25 de mayo de 2018 a las 23.59 horas.

6. En la final del domingo 3 de junio, el jurado estará constituido por el ganador del certamen pasado, Rodrigo Torres y dos especialistas en el tema, a confirmar.

7. Según puntuación, se elegirá diez finalistas, que se darán a conocer el día lunes 28 de mayo.

8. A los miembros del jurado sólo se les hará llegar a través de correo electrónico los versos finalistas, sin la indicación del autor.

9. Los finalistas defenderán sus respectivas obras el día domingo 03 junio, en el Pueblito de Artesanos de Pirque, a las 16.00 hrs, donde cantarán su verso “a lo poeta”, tocando cada uno su instrumento o cantando de apunte. También se permitirá enviar un representante para que cante el verso. De entre ellos saldrán los tres ganadores que defina el jurado.

10. Los finalistas deben cantar de memoria su verso, aunque está permitido leer el verso, el concursante debe considerar que aquello irá en mella de su puntuación.

11. Cada finalista recibirá su respectivo Diploma de reconocimiento. Y los tres lugares galardonados del Certamen además de su diploma, recibirán un incentivo en dinero (a confirmar).

12. El certamen no podrá ser declarado desierto.

13. El jurado preclasificatorio evaluará los versos recibidos de acuerdo a los siguientes indicadores:

a) Rima consonante y vocablos octosílabos: Las rimas serán consonantes; cada vocablo es de ocho sílabas “fonéticas”. El no cumplimiento de este requisito es razón para la descalificación.

b) Plurales con singulares: El jurado descontará puntaje cada vez que en una décima se alternen singulares y plurales en sus rimas consonantes.

c) Rima contrastada: Se exigirá que cada décima del verso tenga los sonidos de sus cuatro rimas bien contrastados y diferenciados, es decir, que no se produzca rima asonante entre versos que no riman.

d) Calidad sonora de la décima: Referido a la fonética de los vocablos. Se debe evitar cacofonías, y se debe buscar sonidos que aporten al sentido y significación, como juegos de palabras, y todo aquello que el poeta maneje en su creatividad.

e) Unidad del verso: Desarrollo claro de la idea de principio a fin en cada décima y en el verso en su conjunto, sin desvíos temáticos.

f) Ingenio Creativo: Hallazgo de posibilidades distintas de las evidentes en torno al tema, evitar obviedades.

g) Calidad Poética: Manejo de imágenes, comparaciones y metáforas que enriquezcan la estética del verso.

14. Indicadores a evaluar para los finalistas que cantarán su verso el día domingo 3 de junio:

a) Fluidez del lenguaje y pronunciación: Que se entienda claramente el texto del verso, sea cantado o referido.

b) Buen ritmo del canto: Que el canto sea lo más fluido y expresivo posible, donde quede claro el manejo mnemotécnico del verso, sin indecisiones en el canto, y con pausas entre una décima y otra. Opcionalmente se permite intercalar una décima cantada y una hablada o referida.

c) Presencia y actitud escénica: Corresponde a lo que el cantor logra comunicar y la respuesta del público frente a su verso y actuación entregada en el escenario.

15. Los finalistas, el día domingo 3 de junio:

a) Actuarán sobre el escenario cantando su verso.

b) Posteriormente el jurado se retirará a dirimir los ganadores.

c) Sobre el escenario y ante el público, se darán a conocer los ganadores. El ganador repetirá su verso.

16. Por el solo hecho de participar en este concurso, los concursantes aceptan estas bases

Christian Gálvez da inicio a Noches de Jazz en La Reina

Comunicado de prensa

Noches de Jazz en La Reina

Christian Gálvez Trío
Sábado 26 de mayo, 20:30 hrs.

Comenzamos una nueva temporada de presentaciones dedicadas al jazz nacional.

Este año estarán grandes exponentes como Cristián Cuturrufo, La Golosa Orquesta, Alejandro Espinosa y Andrea Tessa. En mayo nos acompañará el destacado bajista Christian Gálvez, quien nos ofrecerá un recorrido musical por su extensa discografía presentando un repertorio con lo mejor del jazz, fusión y música popular, donde recogerá una selección de sus 14 discos editados hasta el momento.

Con una extensa discografía, en sus facetas de músico, compositor, docente y productor, Christian Gálvez ha sido responsable de integrar el jazz rock, fusión y música docta, convirtiéndose en uno de los más grandes bajistas de su generación, cuyo talento lo ha llevado a integrar la banda de Stanley Clark y ser miembro permanente del grupo de Billy Cobham.

La cita es en la sala del Centro Cultural De La Reina “Vicente Bianchi”, el sábado 26 de mayo a las 20:30 hrs., ubicada en calle Santa Rita N° 1153 esquina Echenique. Entrada General: $6.000.- Estudiantes y tercera edad: $5.000.

Desde que en 1996 apareciera en el primer quinteto de Cristián Cuturrufo, el jazz de esa década iba a tener la mirada muy encima del virtuoso nuevo bajista eléctrico llamado Christian Gálvez. Un talento de generación espontánea, puesto que nunca contó con estudios formales en su aproximación a las cuerdas amplificadas. Gálvez tomó el lugar de Felipe Chacón en la banda del trompeta coquimbano y luego despegó como solista hasta alturas que lo llevaron a ser uno de los más populares, respetados y polivalentes jazzistas chilenos, además de compositor, productor discográfico y fundador del sello Pez.

En 2014 presentó el disco Organ kuartet, con el sonido del órgano Hammond en primera línea, y ese mismo verano tocó en una gran festival en el Parque Bicentenario de Vitacura, al que asistió el director de programación de los clubes Blue Note de Nueva York, Milán, Tokio y Nagoya, en misión especial para observar a jazzistas chilenos. Así Gálvez actuó en septiembre de 2014 en ese famoso club neoyorquino, como el primer chileno llegado desde su país, con un elenco de sidemen nacionales radicados en esa ciudad: Pablo Vergara (piano), Pablo Menares (contrabajo) y Félix Lecaros (batería).

La sesión se convirtió en el disco Live at the Blue Note (2015), pero Gálvez extendió su presencia en escenarios Blue Note, actuando en Italia y Japón. Y en agosto de 2015 un nuevo elenco chileno encabezado por el bajista eléctrico llegó al club Blue Note de Nueva York, en el inicio de una serie de presentaciones allí promovidas por la plataforma del dello Pez: Cristián Cuturrufo (trompeta), Nelson Arriagada (contrabajo) y Alejandro Espinosa (batería). El cuarteto de figuras editó en 2016 el disco The Chilean Project live at the Blue Note.    http://www.musicapopular.cl   Fuente: Iñigo Díaz -

Programación Noches de Jazz en La Reina 2018:

Sábado 26 de Mayo de 2018: Christian Gálvez Trío
Sábado 28 de julio de 2018: Cristián Cuturrufo Cuarteto
Sábado 25 de Agosto de 2018: La Golosa Orquesta
Sábado 27 de Octubre de 2018: Alejandro Espinosa Cuarteto
Sábado 24 de Noviembre de 2018: Andrea Tessa Cuarteto

Lugar: Teatro Centro Cultural de La Reina “Vicente Bianchi”
Dirección: Santa Rita Nº 1153 esquina Echeñique
Fecha: Sábado 26 de mayo de 2018
Horario: 20:30 hrs.
Informaciones: 222776214
info@culturalareina.cl
www.culturalareina.cl
@culturalareina
Entrada General: $6.000.-
Estudiantes y tercera edad: $5.000

Luis Dimas celebrará los 55 años de “Caprichito” con show en Espacio Belloni


Comunicado de prensa

Un gran espectáculo lleno de recuerdos de la Nueva Ola y Música Libre, es el que está preparando el cantante junto a La Banda del Rey.

Uno de los máximos exponentes de la música de los años ´60 y ‘70, Luis Dimas, realizará una presentación junto a La Banda del Rey el próximo 1 de junio en Espacio Belloni. Un concierto repleto de éxitos y sorpresas, en el cual la cantante Malena será la encargada de abrir el show con un tributo a Música Libre y la Nueva Ola.

“Caprichito” es uno de los temas más representativos de aquella época, que fue compuesta por uno de los precursores de la Nueva Ola y gran comediante, Jorge Pedreros. Éste, junto a “Me recordarás”, “Sueña”, “Penas juveniles” y “Señorita desconocida”, son algunos de los temas que Luis Dimas interpretará en esta presentación, ocasión en la que además realizará un tributo a sus referentes, cantando algunos temas de Elvis Presley y Frank Sinatra.

Luis Dimas y La Banda del Rey tuvieron un gran verano 2018, en el cual estuvieron recorriendo varias ciudades realizando presentaciones en eventos y festivales. Esta agrupación está compuesta por músicos de primera línea: Tito Pezoa, guitarrista que trabajó con Mon Laferte, Miriam Hernández, Alberto Plaza y La Sociedad; René Villablanca en el bajo; Leo Espina en la batería y en los teclados y dirección, Manolo Palma, quien además es un reconocido productor musical.

Una imperdible velada llena éxitos del recuerdo, y dedicada a la nostalgia de una época musical que ha trascendido generaciones, en uno de los mejores escenarios de Santiago, donde los asistentes además podrán disfrutar de una exquisita carta y ricos tragos.

El show de Luis Dimas y La Banda del Rey se realizará el viernes 1 de junio a partir de las 22:30 hrs. en Espacio Belloni, ubicado en Ernesto Pinto Lagarrigue 179, Barrio Bellavista. Entradas desde los $10.000, más cargos por servicio, a través de Atrápalo.cl.

Creamfields 2018

Comunicado de prensa

El festival de música electrónica más importante del país vuelve para celebrar sus 15 años de historia. La nueva versión se confirmó para noviembre en el Club Hípico y muy pronto comenzará la venta de entradas.

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Creamfields acaba de revelar los primeros detalles de edición 2018 que coincidirá con su decimoquinto aniversario. Porque lo bueno se repite, la fiesta se tomará nuevamente el Club Hípico de Santiago con dos sorpresas: la jornada se extenderá desde las 13 a las 23 hrs. y se concentrarán todas las actividades en un día, el sábado 17 de noviembre.

El festival ha trabajado por mucho tiempo para multiplicar las posibilidades de disfrutar la música en toda su amplitud, no sólo para entendidos en la electrónica sino también en el pop y los sonidos urbanos. Por lo mismo, también se duplicó la oferta de artistas y serán más de 50 los nombres que desfilarán por los 5 escenarios de Creamfields 2018.

Con la responsabilidad de mejorar año a año la experiencia, en noviembre Creamfields promete volver a sorprender con la estructura monumental de su escenario principal, así como también con los juegos mecánicos y el espectáculo pirotécnico, que se transformó en uno de los más grandes de Latinoamérica.

Primera preventa de entradas

La etapa de preventa comienza el 1 de junio por sistema Puntoticket, con un stock limitado a un precio rebajado.

Gestoras en Red Se articula para construir la primera organización nacional de mujeres trabajadoras de la cultura y las artes

Comunicado de prensa

Después de un exitoso 2017 tras el Primer Encuentro Internacional de Trabajadoras de las Culturas y las Artes organizado por Gestoras en Red, este año se avanza en el trabajo colaborativo entre mujeres trabajadoras del mundo de la cultura y las artes. 

Este 2018 Gestoras sigue construyendo su red a lo largo de todo Chile, y ya han realizado las primeras articulaciones en las regiones de Los Lagos (marzo) y región de Tarapacá (abril). En ambas instancias convocaron a más de 200 mujeres del rubro para ser parte de una verdadera red de soporte, colaboración y crecimiento para la dignidad laboral y reivindicar el papel de las mujeres creadoras y gestoras culturales de nuestro país y latinoamérica.

Gestoras en Red es una articulación de mujeres trabajadoras de todas las artes y culturas, que en conjunto buscan consolidar una relación de trabajo colaborativo internacional, con planes conjuntos para impulsar acciones de incidencia política, activismo cultural y proyectos, además de visibilizar y apoyar  los movimientos de derechos humanos y justicia para todas las mujeres y organizaciones sociales afines. Entre ellas hay gestoras, artistas, creadoras de iniciativas culturales y artísticas, productoras, líderes de proyectos, colectivos, organizaciones, industrias creativas, redes y movimientos ciudadanos.

Su objetivo central como red en Chile es lograr una articulación nacional con representatividad en todos los territorios del país, para luego conectarse con otras redes de latinoamérica. Para comenzar, este año han planificado llegar por lo menos a 7 macro zonas: región de Valparaíso, Metropolitana, Coquimbo, Biobío, Aysén y las regiones que ya fueron visitadas Tarapacá y Los Lagos.

“Convocando a las principales trabajadoras de las culturas y gestoras territoriales, hemos podido activar la necesidad de articularnos, generar instancias de autoformación y de trabajo en red para abordar las problemáticas y soluciones según cada territorio. Pensando en realizar acciones de exigencia de nuestros derechos culturales, laborales y ciudadanos con enfoque de género e inclusión”, señala Rosa Angelini, Co-Directora de Gestoras en Red.

Gestoras en Red Chile y Latinoamérica es una iniciativa que está en construcción, y la creciente demanda ha permitido que su articulación crezca a pasos agigantados. Hasta ahora los encuentros son también a través de instancias asambleístas, pero la mirada es hacia conformar una organización nacional, constituida con todas las representantes de cada territorio.

“Solo después de encontrarnos con cada territorio y entender cada complejidad y cada estado del arte, es que podremos ir avanzando hacia esta nueva orgánica, inclusiva y transversal, con representación de todos los territorios, pero también con una vocería clara y fuerte que pueda levantar demandas comunes a nivel nacional, y que se encuentre con las problemáticas latinoamericanas, ya que Gestoras en Red se vincula con un escenario internacional y reflexiona sobre contextos que no tienen fronteras”, señala Marisol Frugone, Co-Directora de Gestoras en Red.

Actualmente los países que adhieren a la red son: Chile, México, Uruguay, Bolivia, Argentina, Brasil, Perú, Honduras, Ecuador, Colombia, gestoras latinas en Estados Unidos. Y el año 2017 la realización del encuentro Gestoras Internacional realizado en Santiago de Chile, reunió a más de 180 organizaciones de 9 países de latinoamérica. El 2019 esperan realizar el Segundo Encuentro Internacional en Uruguay, para el cual ya se está trabajando intensamente entre Gestoras en Red y sus socias Uruguayas.

Las propuestas de intercambio que surgen desde los diferentes territorios apuntan al desarrollo de economías alternativas, seguimiento a las políticas culturales, desarrollo de bolsas de trabajo y promoción cultural; con proyectos que visibilicen y pongan en valor a las organizaciones y los trabajos artístico y sociales liderados por mujeres.

Hasta ahora, el mapeo y catastro ha puesto en alerta a las diferentes organizaciones y territorios sobre la precariedad de una gran parte de sus trabajadoras,  tomando mayor fuerza la idea de gestar acciones de incidencia con una agenda de activismo territorial, nacional y latinoamericano, para hacer seguimiento a las políticas culturales y laborales de cada territorio, además de generar acciones colaborativas como programación, proyectos conjuntos y fortalecimiento de las plataformas alternativas de comunicación.

Gestoras en Red este año se realiza gracias a aportes del Ministerio de las Artes, las Culturas y el Patrimonio, a través del Fondart Nacional de Artes Visuales para la Organización de Festivales, Encuentros y Muestras y el Fondo de la Música para el Fomento a la Asociatividad,  la red Cultural Nekoe, el FMN Chile, Frente de la Música Nacional entre otros apoyos locales, como de municipios y espacios culturales independientes en las distintas regiones del país..

Este año se realizarán una serie de encuentros en distintas regiones para quienes se quieran integrar a esta gran organización que crece con fuerza y estrategia. Para participar debes inscribirte en los formularios publicados en el fanpage oficial de Gestoras y revisar las bases de Gestoras en red

AGENDA GESTORAS EN RED 2018

Valparaíso (16-17-18 agosto)
3º Encuentro Nacional de Mujeres Trabajadoras de las Cultura y las Artes Chile
Énfasis en las mujeres trabajadoras de la música, productoras y manager y Artes Visuales, teatro, espacios culturales independientes y Gestión Cultural.
Lugar: Espacio Municipal Esmeralda y Parque Cultural de Valparaíso, Liceo Artístico Gronemeyer de Quilpue.
Inscríbete aquí si eres creadora, gestora o productora independiente o aquí si representas a una organización cultural, colectivo o red

Santiago (24-25 agosto)
4º Encuentro Nacional de Mujeres Trabajadoras de las Cultura y las Artes Chile
Con énfasis en dos focos: mujeres trabajadoras de la música, productoras y manager, y Artistas visuales, creadoras, curadoras, historiadoras,críticas de arte, artistas sonoras, audiovisuales, gestoras de espacios culturales independientes.
Lugar: Museo Nacional de Bellas Artes, José Miguel de La Barra 650, Santiago y Museo de Arte Contemporáneo, MAC Parque Forestal, Santiago.
Inscríbete aquí si eres creadora, gestora o productora independiente o aquí si representas a una organización cultural, colectivo o red

Coquimbo (5-6 octubre)
5º Encuentro Nacional de Mujeres Trabajadoras de las Cultura y las Artes Chile.
Galería Arte Chile, Plaza Barrio Inglés, Coquimbo. (Multisectorial)
Inscríbete aquí si eres creadora, gestora o productora independiente o aquí si representas a una organización cultural, colectivo o red

Concepción (9 al 11 noviembre)
6º Encuentro Nacional de Mujeres Trabajadoras de las Cultura y las Artes Chile.
Lugar: 9 y 10 de noviembre, Casa 916, Castellón 916. Concepción
Lugar: 11 de noviembre por confirmar en Lota. (Multisectorial)
Inscríbete aquí si eres creadora, gestora o productora independiente o aquí si representas a una organización cultural, colectivo o red

Coyhaique (6-7 diciembre)
7º Encuentro Nacional de Mujeres Trabajadoras de las Cultura y las Artes Chile.
Lugar: Centro Cultural de Coyhaique, Calle Eusebio Lillo #23. (Multisectorial)
Inscríbete aquí si eres creadora, gestora o productora independiente o aquí si representas a una organización cultural, colectivo o red


.:Contacto Gestoras en Red:.

Info y Coordinación para participación Encuentros en Chile
gestorasenredchile@gmail.com


Comunicación con equipo directivo Chile y Latinoamericano
redgestorasculturaleschile@gmail.com


Info y Coordinación para participación encuentros internacionales:
gestorasenredinternacional@gmail.com


Grupos / Red de Gestoras
https://www.facebook.com/groups/171252829919100/

Inti Illimani Histórico y Compañía La Mona Ilustre presentan Malé en San Joaquín

Comunicado de prensa

Inti Illimani Histórico se une a la compañía la Mona ilustre para presentar un un espectacular viaje sonoro con música en vivo, actores y marionetas.

Grandes y chicos podrán disfrutar el estreno de Malé el 1, 2 y 3 de junio, en el Teatro San Joaquín. Venta de entradas por Eventrid.cl y en boletería del Centro Cultural San Joaquín.

Con motivo de celebrar los 50 de trayectoria de Inti Illimani Histórico y los 10 años de la compañía de teatro La Mona Ilustre se estrena la obra musical Malé el 1,2 y 3 de junio en el Teatro San Joaquín.

Inspirados en el famoso disco “Travesura“ de Inti Illimani Histórico, el concierto teatral Malé mezcla un universo musical con visibilidad de las formas teatrales de La Mona Ilustre convirtiéndose en un espectáculo ideal para toda la familia, ya que la escena lúdica inspira los valores de la integración, el respeto y la valorización y particularidad de las distintas culturas iberoamericanas.

La Mona Ilustre une a integrantes de diversos orígenes, formaciones y nacionalidades con un fin en común: contar historias. Por su parte, Inti Illimani Histórico combina la raíz latinoamericana el folclor más profundo de Chile con influencias europeas.

Ambos se fusionan en un viaje sonoro para espectadores de todo tamaño y color que se despliega sobre el retablo peruano de los años 40, Ayacucho, donde conviven los músicos y sus instrumentos, las marionetas, las artesanías y los personajes mientras el grupo chileno interpreta en vivo los éxitos del disco “Travesura“.

El evento tendrá su primera función en el Teatro San Joaquín, el escenario artístico más  importante de la zona sur de Santiago. Su espectacular sala con capacidad para 400 personas es apetecida por su ideal y completa infraestructura, que permite complacer las necesidades, tanto de los artistas, como de quienes van a ver un show: cuenta con estacionamiento, cafetería y la sala está acondicionada con cómodas butacas, sonido e iluminación profesional, aire acondicionado y salidas de emergencia.

"Una obra lúdica, llena de símbolos, que llega a nuestra comuna, donde la música y el teatro se unen en un espacio cercano a la gente , cercano a la comunidad como el Teatro Municipal San Joaquín,  para celebrar con nuestras raíces y con nuestra gente en un estreno especial. Una gran oportunidad , un gran encuentro para nuestros vecinos y vecinas", señala Jonny Labra Director Corporación Cultural de San Joaquín

El estreno de Malé el próximo 1, 2 y 3 de junio en el Teatro San Joaquín constituye un hito creativo único en su tipo, porque a través de la colaboración artística de estas dos importantes agrupaciones, se celebran los 50 años de trayectoria de Inti Illimani Histórico y los 10 años de La Mona Ilustre, hablando de la diversidad, la mezcla, el encuentro, la migración y el cruce de culturas; fusionando la música y la visualidad teatral para acercar a niñas y niños al universo.

La entradas para el estreno de este auténtico show se pueden adquirir mediante el sistema Eventrid y en el Teatro San Joaquín (Coñimo 286, San Joaquín), y los valores son $10.000.- general y $5.000 para estudiantes y adultos mayores.

IMI Chile en importantes ferias y festivales internacionales

Comunicado de prensa

Durante mayo y junio de este año, la Asociación Gremial Industria Musical Independiente de Chile, IMICHILE, realizará importantes misiones comerciales a: The Great Escape (Brighton, Reino Unido), FIMPRO (Guadalajara, México), PrimaveraPRO y Primavera Sound (Barcelona, España) y MIDEM (Cannes, Francia). Además, de participar en Indie Week 2017, (Nueva York, Estados Unidos).


20 empresas chilenas asociadas a IMICHILE y sus respectivos representantes viajarán en estas misiones para integrar paneles y actividades comerciales que beneficien a la música chilena independiente.

Holman Trio, Perrosky, Como Asesinar a Felipes, Rubio y Fernando Milagros, son algunos de los músicos que también participarán de las delegaciones y se presentarán en vivo en los showcases de los diferentes eventos.

Otro nuevo año en el hemisferio norte para las delegaciones de los socios de IMICHILE. Comienza la época de festivales, ferias y encuentros, que reúnen a músicos y agentes de la industria de todo el planeta. IMICHILE, como una asociación gremial que busca las instancias de cooperación para fomentar la producción, promoción, comercialización y exportación de los artistas chilenos, participará en algunos de los eventos más importantes. Todo, gracias al apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio y Ministerio de Relaciones Exteriores a través de ProChile y la Dirección de Asuntos Culturales (Dirac), que desde hace un tiempo, trabajan en conjunto en el fomento de la industria musical chilena.

Las actividades se llevarán a cabo entre el 17 de mayo y 21 de junio de este año, participando diferentes delegaciones de industria y artistas chilenos en cada uno de los eventos: The Great Escape en (Brighton, Reino Unido), FIMPRO (Guadalajara, México), PrimaveraPRO y Primavera Sound (Barcelona, España), MIDEM (Cannes, Francia) e Indie Week 2017 (Nueva York, Estados Unidos).

A continuación se detalla las actividades que contempla cada una de las misiones.

THE GREAT ESCAPE - REINO UNIDO

Del 17 al 19 de mayo. Esta será la primera parada de la delegación IMICHILE que comenzará con una Recepción Chilena el jueves 17 mayo a las 14:00 hrs en Queens Hotel (AIM House), donde la delegación será la anfitriona y se presentarán en vivo Dj Raff y Perrosky. El día continuará con un showcase de Perrosky en Green Door Store.

Si bien representantes de IMICHILE han participado de dicho encuentro los dos años anteriores, esta será la primera vez en que se asiste con una delegación que incluye a 5 empresas y 2 artistas.

La delegación de industria estará compuesta por: Discos Río Bueno, La Unión, Booking & Comunicaciones, Tinta Negra, Algorecords, Pirotecnia.

FIMPRO – MÉXICO

Entre el 24 y 26 de mayo, Guadalajara será el punto de encuentro de la industria musical Latinoamericana e internacional, en el marco de FIMPRO. Evento en el que además de participar de todas las actividades como asociación y como empresas individuales, los músicos Adelaida, Fernando Milagros y Holman Trio se presentarán en vivo, estos últimos realizarán un showcase el 24 de mayo en el C3 Rooftop. Desde el 2014 que IMICHILE participa con comitivas en FIMPRO.

La delegación de industria estará compuesta por: Quemasucabeza, Jungla Music, La Makinita, Eroica, Cosas Buenas.

PRIMAVERA PRO - PRIMAVERA SOUND - ESPAÑA

Dos días después, IMICHILE y su delegación se trasladarán a España para participar en la feria  PrimaveraPRO y el festival Primavera Sound, que se realizan entre 30 de mayo y el 3 de junio.

Previo a la llegada a Barcelona, la comitiva realizará una parada por Madrid

Este es el octavo año en que IMICHILE participa de ambos encuentros y, al igual, que en años anteriores, será parte de los showcases y realizará una recepción y mentoring session.

En el marco de las actividades de la feria PrimaveraPRO se participará en una Mentoring Sessions y realizará una recepción IMICHILE, que estará acompañada de las presentaciones en vivo de Niños del Cerro, Como Asesinar a Felipes y Rubio. En cuanto a la presencia de los artistas en el festival Primavera Sound, el día sábado 2 de junio se presentarán en el escenario Night Pro.

La delegación de industria estará compuesta por: La Unión, Booking & Comunicaciones, Quemasucabeza, Beast Discos, Potoco Discos, Jungla Music, Doll Music, Armónica, Tierra del Fuego, Mescalina, PortalDisc, Medu1a.

MIDEM  - FRANCIA

Entre el 5 y 8 de junio, una delegación se trasladará a Francia para participar de la feria de la música MIDEM. Se trata de la tercera vez que IMICHILE asiste al encuentro que se realiza en Cannes desde 1967. 

La delegación de industria participará con un stand y estará compuesta por: Mescalina, Fanear, Cosas Buenas.

INDIE WEEK 2018 – ESTADOS UNIDOS

Organizado por la Asociación de Música Independiente de Estados Unidos, A2IM, Indie Week está enfocado en maximizar el impacto global de la música independiente. Siendo este un punto de encuentro fundamental en el que IMICHILE estará representado por su presidente, Oliver Knust, quién asistirá para participar en la reunión del directorio de WIN (Worldwide Independent Nerwork). Además, se presentará Rubio en la inauguración del festival.

La delegación de industria estará compuesta por: Sonidos de Chile y Tierra de Fuego

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RESUMEN DE ACTIVIDADES

REINO UNIDO - THE GREAT ESCAPE (Brighton)
Jueves 17 mayo
14:00 hrs.
Recepción Chile 
Queens Hotel (AIM House) Presentación de Dj Raff y Perrosky 
Showcase
00:15 - Perrosky
Green Door Store

MÉXICO - FIMPRO (Guadalajara)
Sábado 24 de mayo
23:00 hrs.
Recepción Chile
Showcases
Holman Trio
Fernando Milagros
Adelaida
Lugar: C3 Rooftop

ESPAÑA – EVENTO NETWORKING PROCHILE 2018 (Madrid)
Lunes 28 de Mayo
16:00 a 20:00 hrs.
Lugar: Kitchen Club Orense en la Calle Orense, 12. Madrid

ESPAÑA – PRIMAVERAPRO (CCCB, Barcelona)
CCCB - Miércoles 30 de mayo
12:00: MENTORING SESSION IMICHILE
DAY PRO (CCCB) - Viernes 1 de junio
11:00 - 11:30 hrs. Niños del Cerro
11:50 - 12:20 hrs. Como Asesinar a Felipes 
12:40 - 13:10 hrs. Rubio
12 hrs. RECEPCIÓN IMICHILE

ESPAÑA - PRIMAVERA SOUND (Parc de Fòrum, Barcelona)
NIGHT  PRO (PÀRC DEL FORUM) - Sábado 2 de junio
23:00 - 23:40 hrs  Como Asesinar a Felipes
00:00 - 00:40 hrs  Niños del Cerro
01:00 - 01:40 hrs. Rubio

FRANCIA - MIDEM (Cannes)
Del 5 al 8 de junio 2018
Stands
Mescalina
Cosas Buenas
Fanear

ESTADOS UNIDOS - INDIEWEEK (NY)
Del 18 al 21 de junio 2018
18 de junio - Inauguración
Presentación Rubio
Reunión anual de directorio WIN (Invitado: IMICHILE)

Vuelve Rawayana: el poder del ska y el reggae desde Venezuela

La Tercera

Los caraqueños regresan a Santiago con un concierto en el Teatro Caupolicán fijado para el 11 de octubre.

La cartelera venezolana en Chile vuelve a demostrar su buena salud y sigue sumando hitos. Esta vez, con los caraqueños Rawayana, uno de los más populares exponentes actuales del reggae y el ska sudamericano, quienes a sólo meses de agotar sus dos presentaciones en el Club Chocolate -a fines del año pasado- regresan a Santiago con un desafío mayor: su primer concierto en el Teatro Caupolicán, fijado para el 11 de octubre.

El recital, organizado por la agencia Charco en el marco de su ciclo Noches Latinas, contará también con la actuaciones del rapero venezolano Mcklopedia -quien en enero vino a Chile para participar de un evento de hip hop-, el MC nacional Portavoz y la “cumbia reflexiva” de Sondelvalle. Rawayana, en tanto, vuelve al país tras ser nominado al Grammy Latino como Mejor Nuevo Artista por su tercer LP, Tryppy caribbean. Las entradas salen a la venta mañana por Ticketplus y en nocheslatinas.tusentradas.plus ($14 mil a $40 mil).

El influyente Gary Numan encabeza ciclo de los 80

La Tercera

Uno de los pioneros de la electrónica masiva debutará en la capital en septiembre. También viene el grupo Berlin.

Por Claudio Vergara

La cultura pop eterniza su magia gracias a flashazos, a pequeños grandes hitos que, en un amplio porcentaje, despegaron desde la más masiva de sus plataformas, la televisión. 1964: The Beatles sacude EE.UU. y el rock hace su ingreso estelar a la cultura de masas. 1972: un intérprete de ajustado traje espacial, pelo colorado y botas de astronauta canta “Starman”, se convierte en ese personaje llamado David Bowie, y vincula para siempre los 70 con la ambigüedad y el exhibicionismo.

24 de mayo de 1979: ese mismo instante colorido que abrió el decenio ahora palidece en una figura robótica, de aspecto frío, que canta acorralado entre teclados y sintetizadores, en un entorno donde el rock y la guitarra ceden su puesto para abrir paso a una nueva era.

Cuando Gary Numan (60) debutó en grande en el icónico programa Top of the Pops de la TV inglesa, no sólo fascinó por una apuesta hasta entonces indescifrable para el gran público (“la estrella insólita del cierre de década”, consignó la BBC), sino que también por inaugurar un período que se acentuaría en los 80 y que se extendería hasta el nuevo siglo, hasta ese mismo futuro que pareció anunciar esa noche de 1979: el reinado de la estrella del pop electrónico, el cantautor que ensamblaba futurismo, baile y sonidos sintéticos en un solo género. Numan destrabó el cerrojo para que luego pasaran Depeche Mode, The Human League, Pet Shop Boys, Erasure y varias generaciones de músicos, en un legado activo y vigente casi cuatro décadas después.

Pero que, hasta ahora, nunca había aterrizado en el país. De alguna manera, los grandes héroes del movimiento habían dicho presente en distintas instancias, desde la visita de los pioneros Kraftwerk hasta los encuentros multitudinarios de algunas de sus crías más exitosas, como los propios Depeche Mode. Pero el dueño del hit “Cars” aún representaba un pendiente. Según la productora Colors, el artista se presentará el sábado 1 de septiembre, a las 21.00 horas, en el Gran Arena Monticello. La venta de entradas parte hoy, a las 11, a través del sistema Ticketpro.

Más allá de los méritos de antaño, el hombre de “Hammersmith” arribará con una discografía de 18 títulos y un lanzamiento reciente, Savage (songs from a broken world), de 2017, donde no sólo regresó a la cúspide de las listas inglesas, alcanzando el puesto número dos; también se volvió a situar como un creador pensante, trazando el relato de un planeta en que Oriente y Occidente se han fusionado tras la hecatombe generada por el calentamiento global, narración que marcha sobre texturas oscuras, desoladas, abatidas por el pesimismo, en ese talante que otros de sus alumnos aventajados, como Trent Reznor y Marilyn Manson, hicieron tan propio en los 90.

Según sus conciertos de la primera parte de esta temporada, el inglés despliega una performance que en promedio se extiende por los 16 temas y que incluye gemas como Are ‘friends’ electric?, Down in the park, Metal y la propia Cars.

Pero Numan no será el único representante del pop más selecto de los 80 que pasará por la capital. La misma productora también anuncia al conjunto estadounidense Berlin, con un show agendado para el sábado 11 de agosto, a las 20.30 horas, en el mismo arena del casino situado en el sector de San Francisco de Mostazal. Iniciados en el synth pop, con una propuesta desenfadada y bajo la simpatía de contemporáneos ya consolidados, como David Bowie, los californianos consiguieron su mayor golpe a la cátedra en 1986, con la balada “Take my breath away”, parte medular de la película Top Gun y hasta hoy himno FM indiscutido.

Como esa suerte de maldición que a veces acarrea el triunfo mayúsculo, la agrupación se separó un año después, pero se reagrupó a fines de los 90, con una activa agenda de shows y lanzamientos que incluso guardan para este año el estreno de un nuevo trabajo, Woke, del que ya presentan en vivo un par de composiciones. Sin olvidar, para tranquilidad de sus seguidores, su éxito más recordado. Además, mantiene a su integrante más representativa, la cantante Terri Nunn. Las entradas también salen hoy a la venta bajo el mismo sistema.

"Las Creaturas de Prometeo": descubra el único ballet que compuso Beethoven

El Mercurio

Hoy en el Teatro Oriente, mañana en el Municipal de Ñuñoa y el sábado en Valparaíso.
Nicolas Rauss y la Orquesta de Cámara de Chile presentan, en versión de concierto, esta obra temprana que anticipa el "germen del drama beethoveniano". 

Por Romina de la Sotta Donoso

El rescate de tesoros olvidados del repertorio ha sido un sello de Nicolas Rauss (Suiza) desde que comenzó a venir a Chile como director invitado, hace 19 años. Una cruzada que también lleva adelante con la Orquesta Usach, desde que asumió su titularidad, en 2013, y que será visible cuando recuperen la Sinfonietta "La Jolla" de Martinu (6 de junio) y la Obertura Leonora N° 2, de Beethoven.

"Existen montones de tesoros olvidados, obras de gran calidad que no son las más conocidas", explica.

Su último rescate es el ballet "Las Creaturas de Prometeo" de Beethoven, del que ofreció una versión el año pasado con la Orquesta Usach, y que ahora presenta completo -en versión de concierto- con la Orquesta de Cámara de Chile. Quedan dos conciertos gratuitos, a las 20:00 horas de hoy en el Teatro Oriente, y mañana en el Teatro Municipal de Ñuñoa. El sábado se repite en la U. Santa María de Valparaíso (19:30 horas, desde $5 mil).

"Es difícil que alguien que escucha música clásica no haya oído nunca la Cuarta o la Quinta de Beethoven. Pero esta es la oportunidad de escuchar a un Beethoven que nadie conoce, ni la orquesta, ni el público", dice.

Tras el éxito de la Primera Sinfonía de Beethoven, el coreógrafo Salvatore Viganò, máxima autoridad en Viena de la danza, le encargó este ballet. El montaje se estrenó en 1801, y tuvo un gran éxito, con 29 funciones durante el primer año, pero lamentablemente con el tiempo se perdió la coreografía de Viganò y su libreto original. Lo que se sabe de la acción es por las notas del propio Beethoven.

Rauss aclara que "las obras tempranas de Beethoven son muy buenas, pero quedaron a la sombra cuando él empezó a producir sinfonías como la 'Eroica' y la Quinta, el Cuarto y el Quinto Concierto para piano, o la 'Missa Solemnis'. En todo caso, la música de 'Prometeo' es muy fresca y linda, y en ella está el germen del drama beethoveniano". Explica que "Prometeo les roba el fuego a los dioses, porque lo necesita para darles vida a las estatuillas femenina y masculina que había creado y que, en el fondo, son los seres humanos. Ese robo desencadena una tormenta en este ballet, que es la primera tormenta beethoveniana, antes que la de la 'Pastoral'".

También está la primera "rabia beethoveniana", en Re Menor, cuando el titán se maldice por no haber sabido darles sentimientos a sus creaturas.

Felicidad humana

Los anticipos de las futuras creaciones de Beethoven son varios en este ballet. "Por ejemplo, cuando Melpómene, la musa de la tragedia, le reprocha haber creado seres mortales, es un momento muy dramático, y la música me recuerda a la Obertura 'Coriolano' y a su Tercer Concierto para piano. Es el clásico dramatismo beethoveniano, en Do Menor", revela Rauss.

"Melpómene se enfurece tanto que apuñala a Prometeo, y el titán, herido, se refugia con Pan, dios de los pastores, y entonces tenemos la primera pastoral que escribe Beethoven, es una piececita preciosa de dos minutos y medio", agrega.

El final del ballet es liberador y anticipa el tema del final de la Sinfonía "Eroica". "Ese tema obsesionó a Beethoven y creo que con él simboliza la felicidad del ser humano", cierra Rauss.

Robbie Williams anuncia show en Chile

La Tercera

El artista comunicó en su sitio web oficial que nuestro país será parte de una gira que ya tiene dos presentaciones agendadas en Sudamérica. En las próximas semanas se conocerá la fecha exacta de su show.

Por Pablo Retamal

El cantante británico Robbie Williams anunció que se presentará a fin de año en Chile, en el marco de su gira mundial The heavy entertainment show tour, según confirmó el sitio web oficial del artista.

La gira, ya tiene confirmadas sus fechas en Paraguay, donde liderará el cartel del Personal Fest de Asunción (8 de noviembre), y en Argentina, donde será el headliner de la versión bonaerense del mismo evento (10 de noviembre).

“No puedo esperar por volver a Sudamérica”, dijo Williams según consignó su sitio web, que detalló que dentro de las próximas semanas se conocerá la fecha exacta del aterrizaje del exintegrante de Take That en nuestro país.

Las últimas visitas del nacido en Stoke-on-Trent a tierras nacionales ocurrieron en el año 2004, cuando se presentó en Canal 13 en el programa Mucho Lucho, animado por Luis Jara, y en 2006, donde se presentó en el Estadio Nacional.

"This is America": La polémica canción que domina internet

El Mercurio

El nuevo sencillo de Childish Gambino (el actor Donald Glover) debutó en el número uno del Billboard y su videoclip se convirtió en el quinto más rápido en superar las 100 millones de visitas en YouTube en solo diez días.

Por Raimundo Flores S.

Donald Glover tuvo un 2017 redondo. El cantante y actor brilló en sus dos facetas, ganando un Grammy por su último disco y llevándose el Emmy y el Globo de Oro por mejor actuación en una comedia gracias a su rol en la serie "Atlanta".

Este año, la carrera de Glover parece seguir en ascenso. La segunda temporada de "Atlanta", que acaba de finalizar, ha recibido elogios prácticamente unánimes de la crítica especializada y además es parte del elenco de "Han Solo: Una historia de Star Wars", la nueva cinta de la saga que se estrenó el martes pasado en Cannes y donde Glover interpreta a Lando Calrissian, personaje emblemático de la franquicia.

Aunque es el plano musical el que ha tenido a Glover acaparando publicaciones en las dos últimas semanas. "This is America", su último sencillo firmado bajo el alias de Childish Gambino, fue estrenado el sábado 5 de mayo, día en que Glover fue el invitado estelar de "Saturday night live".

La canción y, particularmente, su videoclip se han viralizado rápidamente, llegando ayer a superar las 130 millones de visualizaciones en YouTube a solo 11 días de su estreno, convirtiéndose en el quinto video más rápido en superar la barrera de los 100 millones de espectadores en esa plataforma, superado solo por canciones como "Hello" de Adele y "Wrecking ball" de Miley Cyrus. Además, este lunes la canción debutó en el número uno del Hot 100 de Billboard, destronando al popular Drake, que llevaba 15 semanas encabezando la lista con dos canciones distintas.

La letra de la canción ironiza con cómo el mundo del espectáculo en EE.UU. suele tapar los problemas sociales del país, como los abusos policiales y la violencia en las comunidades afroamericanas. "Visto de Gucci, soy tan bello", reza uno de los versos de la canción que pareciera apuntar directamente a varios de los cantantes de mayor éxito en la industria.

El videoclip, dirigido por Hiro Murai, el mismo realizador detrás de "Atlanta", profundiza en la letra del tema y muestra a Glover combinando animadas coreografías con crudos asesinatos a sangre fría. Además, las redes sociales se han llenado de teorías sobre los posibles significados de algunas de las imágenes que aparecen en el video con referencias que van desde la Biblia a películas de animé, incluyendo sucesos recientes de la historia estadounidense como la masacre de Charleston, donde un ataque racista cobró la vida de nueve personas.

El estreno de "This is America" ha desatado las especulaciones de un posible nuevo disco de Childish Gambino que, según él mismo ha dicho, marcaría su retiro de la música.


Living Colour en La Cúpula: Ponle color

La Tercera

Por Marcelo Contreras

Hay muchas singularidades en esta banda neoyorquina y preguntas también. En Chile cuesta que prendan y quizás merecen más reconocimiento no solo por la destreza y la escuela que marcaron en sus respectivos instrumentos -en particular Reid y Calhoun-, sino por la capacidad de combinación y síntesis.

Antes que Faith No More, Red Hot Chili Peppers, Rage Against the Machine, Primus y todo el grunge, Living Colour representó el símbolo de recambio generacional y estilístico del rock duro estadounidense, en medio de la escarmenada marea del hair metal. La puerta de entrada fue su extraordinario álbum debut de hace 30 años, Vivid, en cuya producción figuraba Mick Jagger. Estilísticamente desprejuiciados -cabe metal, funk, jazz, hip hop y electrónica, a veces todo en una misma pieza-, impusieron además un cariz político y social reivindicativo que desde los inicios abarcó también las temáticas de género hoy en boga. El broche de la propuesta consiste en un virtuosismo superlativo. Es tal el nivel de habilidad técnica que la noche del martes, en su cuarta visita a Chile en el Teatro La Cúpula, desde el arranque versionando Preachin’ blues del legendario Robert Johnson, dibujaron sonrisas y expresiones de asombro entre el público por el extraordinario despliegue técnico que después de tres décadas solo parece expandirse.

La guitarra de Vernon Reid atronaba en un constante paseo a velocidad suicida por el mástil, secundado por el monumental trabajo en batería de Will Calhoun, más el bajo pastoso y multifuncional de Doug Wimbish. Corey Glover, siempre histriónico, mantiene un impresionante caudal y lo domina a placer. Aún puede chillar, sostener agudos imposibles y a la siguiente línea convertirse en un cantante de gospel, soul, jazz, un crooner metalizado, lo que sea en beneficio de la composición, el mismo estilo que tanto impresiona en Mike Patton.

La banda juega a deconstruir las canciones. A ratos se extrañan los pulsos originales y tienden a acelerar. “Time’s up” por ejemplo, que en el disco alterna thrash y rock clásico, es prácticamente una ráfaga de batería. Calhoun maneja una parte de su métrica con enfoque jazzero improvisando quiebres constantes con fuerza brutal, aún cuando su touch denota fluidez de academia. Glover funciona algo parecido. Rara vez se atiene a lo grabado en el estudio, siendo una de las escasas excepciones la cachonda “Love rears its ugly head”. Wimbish ocupa el bajo para crear atmósferas sicodélicas, murallas de sonido y loops notables como hizo en “Wall y Swirl”, una creación solista donde montó una serie de líneas para luego puntear en las cuatro cuerdas como si se tratara de una guitarra. Siendo músicos en la cincuentena (excepto Wimbish de 61, quien paradojalmente luce más joven), mantienen una energía prodigiosa, incluso desbordada. Glover jugueteó hasta el hartazgo en “Open letter (to a Landlord)” y terminó fatigando la voz entre tanta cabriola.

Otra de la excepciones de Living Colour es que nunca tuvieron temor de expresar respeto por artistas blancos. Vernon Reid ha alabado instituciones anglosajonas hasta la médula como Rush, “Runnin’ with the devil” de Van Halen fue el prólogo antes de iniciar el show, la brillante “Memories can’t wait” de Talking Heads, incluida en Vivid, integró el set de la noche, como “Rock and roll” de Led Zeppelin fue citada al final.

Hay muchas singularidades en esta banda neoyorquina y preguntas también. En Chile cuesta que prendan (el teatro Teletón estaba casi vacío en la penúltima visita, anoche costó llenar La Cúpula), y quizás merecen más reconocimiento no solo por la destreza y la escuela que marcaron en sus respectivos instrumentos -en particular Reid y Calhoun-, sino por la capacidad de combinación y síntesis. Su música tornó atemporal, suspendida entre su excelencia técnica en pos de canciones potentes y memorables interesadas en el mundo real.